RYUTA SUZUKI's BLOG

北京７９８芸術区の中心にあるUCCA（ユーレンス・センター・フォー・コンテンポラリー・アート）。改修工事が終わり１月１９日より正式にリニューアルオープンしました。リノベーションはOMAという建築事務所が携わり、もともと半導体などを生産する工場だった７９８のアイデンティティを残しつつ中国の現代アートの中心的役割を担うにふさわしい外観に変わりました。

さて、そのこけら落としの第一弾として展示しているのは邱志杰（Qiu Zhijie、チウ　ヂージエ）の「Mappa Mundiー寰宇全图」です。寰宇全图とは“この世の大地図”とでも訳せましょうか。一見すれば様々な思想体系や政治的な枠組みをアーティストの視点で視覚化したドローイングの展示という解説で済んでしまう展示なのです。しかし、このところAIについて（とりわけ広州トリエンナーレでの展示が尾を引き）思いをめぐらす機会が多いのでどうしてもそれだけではなく思えてきてしまうのです。

地図とは、地理的な、すなわち海と陸地の境目を表すものです。が、それに東西南北（中国では東南西北の順で言います）という座標を加えれば、当然そこに国境の問題が発生し、それは２１世紀の現在でも激しく書きかえられている極めて政治的な意味も持ち得ます。邱のドローイングは半ばマインドマップのようなものでした。しかし、人間の生活はあらゆる思想や情報にコントロールされ、純粋な理性は愚か、本能とされるものまで、どこまでが個人のものであるか定かではありません。すなわち、私たちが「美しい」とか「美味しい」とか思う気持ちは、政治的闘争ゆえの産物であるとさえ言えます。その意味では、邱のマインドマップは彼がどのような思想的影響を受け、それを体系づけたかという思考の動きが視覚化されたものだとも言えます。

「Mappa Mundiー寰宇全图」はプロジェクトベースで行われており、様々な場所で、そして様々なサイズで（今回のUCCAでは壁いっぱいのとても大きいもの）作製されています。その内容もかなり緻密なものです。何か、邱の、熱い思いを込めようという熱量が感じられます。しかし、それよりも引っかかったのは、このプロジェクトの演繹性です。

邱は１９６９年生まれのアーティストです。彼の世代は中国では画力の修練を積んで芸術家を志した世代です。福建省という地方出身の彼が、中国ではテクニシャンが集うとされる浙江美术学院（１９９３年より中国美術学院に改名）版画コースに在籍していたことからも、彼のドローイングスキルは一流だということが言えます。それなだけに、膨大なそして巨大なドローイングの質には確かなものがあり、ブレのない技術力が作品の安定感を醸し出している。それはまるで数学の公式のようにa+b=cという式が成り立つがごとくなのです。

２０１９年時点において人工知能ブームはかなり浸透してきました。そもそもこの人工知能ブームは第３次のブームだという人もいます。それはさておき、人工知能と聞いて、今まで私はアンドロイド的なもの、すなわち鉄腕アトムに代表される、人間の形をした人間よりちょっと何かができるロボットのことを、もしくはマトリックスや攻殻機動隊の世界を思い描いていました。その研究はまだ続いていますし、人工知能と聞いてアンドロイドを思い浮かべる人は現在でもたくさんいると思います。しかし、私がAIにおいて着目するのはAI研究が“人工知能”というコンピュータの擬人化を研究成果とすることではなく、むしろその研究過程において、例えば「言語は記号とメイングラマーとそれ以外のイレギュラーグラマーの組み合わせパターンである」とか、「人間の感情は、脳内のタンパク質の分泌パターンである」とかいう、人間の人間らしい活動が、ディープラーニングなどというパターン学習で、ある程度アレゴリズム化でき、関数で表すこともでき、演繹的な規則のもとに成り立っているということが明らかになったことの方なのです。

すなわち、ナラティブの完全消滅といいますか、人間が今までポエティックな意味を見出したがった、人間の持つ最も人間らしい不条理な部分とか、気持ちとか仁義や人情といったものまでが、数学的な統計やパターンに召喚されつつあるということ、このことが気になって仕方ありません。パソコンのGUI（グラフィック・ユーザー・インターフェイス）のように、本来は「０」と「１」の計算なのにそれを言語化し、そこにヴィジュアルエフェクトを加え視覚化＝現象化している仕組みのように、人間の目の前の尊い体験は、もしかしたら幻なのではないかと思えるのです。まるで仏教のようですが、私たちの人間としてのこだわりとか道徳とかは、本当は計算式で、目の前の現実は単なる幻象なのではないかと。したがって、そうであるからこそ、それらのアレゴリズムを誰がどのように価値付け、利用するかが、極めて政治闘争的であると言えないでしょうか。

現代アートはその性質上、”奥へ、奥へ”探検するような、未開の何かを開拓していくような表現が根本にあります。この邱のインスタレーションもインテリジェンスの大航海の果てに、何が待っているのかを探ろうとする、そのようなコンセプトが、UCCAの中国のこれからの芸術をリードしようとする決意に載せられ力強いメッセージになっていました。

蘇州は上海から高速鉄道で１時間という地の利と、絹などの繊維産業や、上海蟹の養殖など地元経済を支えていた伝統産業に加え、政府の投資政策の効果でハイテク関連の企業誘致に成功した中国第６位の経済都市である。東洋のベニスとも例えられる水の都としても有名だ。

経済活動が盛んであるこの都市では文化事業も近年力を入れ始めているようだ。蘇州語という地域の言葉を学校教育に取り入れている教育施設も多いという。この都市で耳にするアート関連施設は、本色美术馆、金鸡湖美术馆、巴塞当代美术馆、寒山美术馆、梵融美术馆、鹿人画廊があげられる。

本色美术馆
この美術館は、陈翰星という個人投資家が”２１世紀の東洋の美学”を掲げ設立した美術館である。そのコンセプト通り建築やインテリアは洗練された現代東洋式のデザインとも言えるもので木や竹、漆喰などが素材として強調されるものだった。

中国に来て中国らしい現代アートは何かないのかと考える人にとって、”それらしいもの”として端的に思うのは水墨画の現代版だろう。そういうアーティストは例えばこのブログでも紹介した徐冰を始め様々に見受けられる。墨は中国芸術のアイデンティティと言っていいもので、中国の現代の表現者もそれに自覚的だ。そのような外からの期待と美術館のコンセプトをつなげる作家たちが本展覧会「六根」でも紹介されていた。

（室内から覗く風景は蘇州の風情を醸し出す。）

（演劇が行える室内ステージ。）

金鸡湖美术馆
「CROSS DOMEIN」は日中の若手作家を紹介する展覧会だ。金鸡湖の辺りにある大型文化施設である蘇州文化芸術センターに内設されたこの美術館はなんとなく森美術館を彷彿とさせた。

紹介されていた日本人作家は主に東京芸大の先端芸術学科に関係のあるメディアアート系の作家たちであった。なぜ蘇州の美術館がそのようなメディアアートを取り扱うのか、そして日本の作家に焦点を当てた理由はなんなのかを考察するのは興味深い。このところ蘇州に限らず、日中友好を掲げ様々な文化交流がなされている。２０１２年の尖閣問題をピークに反日感情が高まり、長く日中関係は冬の時代であったが、日中友好平和条約締結４０周年の２０１８年をきっかけに政治も民間も交流の幅を広げている。今話題の米津玄師も３月に上海公演を控えているとのことだ。そうした中、蘇州には日本人学校もあるほど、日系の企業が工場などを構えている。そこに美術交流を目指す美術館があったとしてもそれは自然なことだ。

ではなぜメディアアートなのか。実はこの部分がキュレーションからはあまり見えてこなかった。しかし後述するように何か目新しいように見える（いわゆる絵画や彫刻などではない）作品を展示することそのものがこの都市が欲していることなのかもしれないとも思えた。

（大型文化センター内にある金鸡湖美术馆。コンサートホールなどが併設されている。）



鹿人画廊
数少ない蘇州のプライベートギャラリーで地域のアーティストや若者文化を牽引するのが鹿人画廊だ。展覧会ひとつひとつを大切にしている様子が伺え、しっかりと展覧会リーフレットも作り込まれていた。北京、上海、広州などとは違い蘇州は一歩引いている立ち位置の中でとても貴重な存在だろう。
 


これらに続いて紹介しなければならないのがSNDCC蘇州高新区文体中心だろう。このSCDNNには寒山美術館という美術館が併設されているが、それよりもその立地とこのSCDNNの役割が興味深く思え、表題にあるアートのコモディティ化について考えるきっかけになったのである。

高新区はハイテク企業などが新設したオフィスや工場、研究機関が立ち並ぶ蘇州の新しい経済特区だ。それらの企業に関連して住宅地も新興住宅の様相であり、高層マンションが立ち並ぶ。道路もしっかり整備され、どうやらSCDNNもそのインフラ整備とセットで建設されたのであろう。
（様々なワークショップやレクチャーが予定されている。）



ーインフラストラクチャー

SCDNNで一番興味をそそられたのが寒山美術館の施設としての設置のされかただった。美術館のすぐ横は体育館になっており、どうやらフロアマップを見てみると、図書館やコンサートホールも同列で設置されているようだ。何やら学校の「美術」「音楽」「体育」と行った並列感を思い出させる。新興する地域には文化的要素が欠落しがちだ。それはそこが新興であるだけに積み上げられた文化というか、そこの風俗性というようなものが希薄になりがちなのである。それはちょうど日本のバブル期にニュータウンなるものが建設されその中心には文化施設が必ず併設されたのと同じ光景である。すなわち、蘇州では美術作品そのものを論ずるというような美術の美術のための活動はそれほど求められておらず、美術館という看板を掲げた箱の中で何やら美術作品らしいものが展示されているという事実が欲されているとも思えてならない。ここに金鸡湖美术馆での展示作品が係ってくる。

（活版印刷のワークショップ）

（図書館の自習室）


（若手デザイナーの工芸展）


思い出させば、本色美術館での展示を除いて、絵画や彫刻といった美術作品を目にすることはなかった。確かにただの偶然かもしれないが、鹿人画廊のような小さな画廊までもが絵画とも彫刻とも言えないオブジェを展示していたのであった。美術の表現の中心とされる絵画や彫刻ではないもの。しかし、コモディティとして消費者の欲求を満たす「それらしいもの」、これが蘇州の美術の動向のように私は読み取った。美術が社会の中で果たす役割は視点によって様々だが、ここ蘇州では美術はコモディティ化し、エンターテイメントとして、インフラとして、この都市のおそらく不可欠なものとして扱われている。しかしそう扱われることで、美術という存在の不可欠さが消費社会の需要と供給の中で肯定されるのである。あと１０年後、金鸡湖美术馆はどのような立ち位置を気づいているだろかという思いが旅の最後に残った。

広州は、北京や上海に比べ美術館数や画廊数は少ない。美術館は広東時代美術館と広東美術館の２つが主だったものだ。また画廊は広州画廊、本来画廊という２つの画廊が関係者の中では話題になるという。美術関連施設が散在する広州に比べ、深センは華橋城という地域にあるOCTという芸術区にアートシーンが凝縮されているらしい。

広東時代美術館（广东时代美术馆）http://www.timesmuseum.org/
美術館ホームページによれば、広東時代美術館は２００３年に時代地産という不動産会社と広東美術館の相互協力によりその活動が開始され、第２回広州トリエンナーレなどいくつかの活動を経て、２０１０年に正式開館した美術館である。地下鉄２号線黄辺駅近くで、広州の中心地からは少し外れた場所に位置する。


広東美術館（广东美术馆）http://www.gdmoa.org/english/
広州地域で最も重要な美術館の一つである広東美術館では第６回広州トリエンナーレが１２月から開催中であった。トリエンナーレを６回積み重ねてきた努力は大変なものであろう。にも関わらず展示内容はバイオアートを取り扱う攻めの構成であった。
 
広州画廊（Canton Gallery)
さて、広州画廊も広州地域の美術を語る上では貴重な存在だ。２０１５年に設立されたプライベートギャラリーであり、９０年代生まれの若手の作家の展示を開催中だった。北京には草場地という、貧困世帯の居住地の中にアートギャラリーが立ち並ぶ区域が存在するが、広州の海珠区泉塘路という地域にあって、この広州画廊も北京の草場地の画廊と同じようなスタンスなのだろう。こういった若手を積極的に取り扱うギャラリーは、広州地域のアートの生命線とも言える。世界のどの地域であってもアーティストとはだんだん育っていく存在なのだから。


深セン華橋城OCT
深センは広州から高速鉄道で約１時間強という距離だ。深セン自体は中国で最も急激に発展をした都市として有名である。蜂巢当代艺术中心（Hive Center for Contemporary Art)やOCATという北京や上海に同時展開している有名画廊もここにある。日本語を話しかけてくれたギャラリーの受付スタッフもいてとても嬉しく感じた。ここでもインスタレーションとビデオアートの展覧会が目を引いた。
 
広東地域はインフラがとても整っていて、教育水準も高く、気候も温暖である。食文化も点心が有名だ。人当たりは温和で、中国の伝統、広東地域の誇り、そして経済発展からくる自信と活気に満ちた注目すべき地域であると強く思ったと同時に、テクノロジーにフェティッシュな美術の動向が垣間見え、現代における広東地域の地域性を感じることができた。

９月９日よりFaurschou Foundation（ファワスコウ・ファンデーション）でEntropy（エントロピー）というタイトルの若手作家を紹介する展覧会が開かれています。Entropyとは「乱雑な方向に変化する」という意味だそうです。
　紹介されているのは、何岸（He An）、杨福东（Yang Fudong）、刘韡（Liu Wei）、孙逊（Sun Xun）、赵赵（Zhao Zhao）、于吉（Yu Ji）、陈天灼（Chen Tianzhuo）の7人です。何岸（He An）、杨福东（Yang Fudong）、刘韡（Liu Wei）の３人は１９７０年代前半生まれ、孙逊（Sun Xun）、赵赵（Zhao Zhao）、于吉（Yu Ji）、陈天灼（Chen Tianzhuo）の４人は１９８０年代前半から半ば生まれのアーティストたちです。

　昨今若い世代は、ノイズが響くような、もしくはバグやエラーのような"歪み"を求めて表現しているように見えます。中国はとても広く、歴史も長い国です。そのような中国は今、急速に経済発展をしています、と普通この経済発展をなんらかの事象の原因に据えがちです。確かに、今の北京の人たちの生活を目にしていると、中間層の生活の平均化みたいなものを感じます。つまり、生活は整理され、便利になり、教育も行き届き、安全で、と。一般にはとても良いことです。しかし、その一方で、アートが入り込む隙間というか、アンダーグラウンドな匂いは薄れていきます。最近の大気汚染対策でPM２.５の数値も下がり気味です。今回のEntropy展では社会に対するスパイスを自ら振りかけるような辛くて苦い表現が目立ちました。

　７０年代８０年代生まれの中国人の青春時代は、日本の９０年代００年代の文化の動向に熱狂したことを少し考えてみたく思います。９０年代００年代の日本の時代感はどういうものだったでしょうか。もちろん人それぞれ感じ方は違うと思いますが、バブル崩壊後様々な暗く重苦しい２０年間だったのではないでしょうか。音楽や美術などの文化の動向のどの部分を切り取ってもこの２０年間の表現は陰鬱な影をまとっています。しかし、それゆえにとても濃厚な表現が生まれていたとも言えます。Entropy展のいくつかの作品の向こう側に私は"渋谷的なもの"や"新宿的なもの"を感じたし、彼ら中国の若い世代のアイデンティティの一旦が垣間見えたような気がしました。

　２０１０年代に入って中国のGDPが日本を上回り始めた頃から、にわかに日本人の心情に変化があったと私は感じています。それは「自信喪失」です。その頃より日本人が日本人であることの国籍区分のみを価値として過剰に誇ったり、他国を攻撃したり、日本国内でも何かの事象にヒステリックに反応したりと、以前まではかろうじてあった心の余裕みたいなものを感じにくくなりました。これらは私の個人的な見解ですが、９０年代漫画やアニメで描かれていた作中の少年少女が現実世界では３０〜４０歳になる、つまりそれに熱中していた当時の１０代が大人になったのが２０１０年代です。３０〜４０代と言えば社会を牽引する、本来ならパワフルな存在です。私自身がその世代でもあること、そして中国ではその世代は新しい価値観を切り開くパワーとして当世代人本人たちも、それより上の世代もその力強さを認めていることなど、それらのギャップから日本を眺めてえられる感覚なのかもしれませんが、自信がなく、争いを求めず、しかし少し神経質で、潔癖で、でもゆるくもある・・・、それがこの世代な気がします。我々世代は何かを生み出すことができるでしょうか。老害などという言葉があります。その意味を考えると、確かにと思う部分もありますが、今から３０年後今度はこの世代が"無能な世代"として吊るし上げられはしないかと内心思ったりもします。もしかしたら日本が世界に与える影響は９０年代００年代で創出しきってしまい、今後はその惰性で緩やかな２０年がすぎ、今から３０年後の２０５０年頃には世界から忘れ去られた"かつての国"になってしまうのではとなんとも言えない気分になったりもします。
　
　今後３０年間のうちに今は予想できないことも含め様々なことが起こるはずです。私は近い将来、日中両国間もまたある種のシンギュラリティーを迎え、文化を含めたあらゆるものがレジームを書き換えなければならない自体が起こると感じています。その時自分はどのような立ち位置でいるのか、悲観と楽観が入り混じる（やや悲観の方が大きいでしょうか）心情を覚えました。

http://www.faurschou.com/

７月２１日より北京の７９８芸術区UCCAで徐冰（シュー・ビン）の回顧展が始まった。

　
　徐冰といえば、特に有名なのはアルファベットを独自のルールと組み合わせで漢字に見立てる“偽漢字”である。１９５０年代生まれのという世代と、シミュラクルな作風を氏がどのように発展させてきたのかを示すのが今回の「思想与方法 Thought and Method 」と題された展覧会だ。

　彼は学生時代版画を学んでいた。中国の美術大学では版画の地位は高い。版画は道具や技術の知識や修練の他にも、保存学や化学や光学など技法が網羅する分野は広く、そのことで、ある種“ハードルの高い”表現方法との認識がもっぱらだ。そんな版画を専攻していた徐の初期の作品は中国の伝統でもある活版印刷の活字や、プロレタリで、土着的な雰囲気を醸し出す、素朴でありながら知的な木版画であった。

        
　日本の版画の文脈を参照すると東京国際版画ビエンナーレにおいて版画がコンセプチャル・アートの領域に引っ張られていく時代があった。１９７９年まで開催されていた日本の現代版画の動向が、徐にどれほどの影響を与えていたのかを示す資料はないが、彼の表現も、初期の木版画から、抽象画を思わせる大きなものへ、さらにはランド・アートのスケールをも感じさせる“ビル拓”版画にまで変貌を遂げていく。日本のかつての現代版画作家たちが版表現の限界を感じていたように、徐の表現もそこから版画を直接用いる表現から次第に離れて行ったようだ。


　版画を用いないにせよ、「思想与方法 Thought and Method 」という展覧会タイトルには、版表現に携わったものなら幾分か意図がわかる雰囲気がある。つまり、版表現はいつも技法の工夫とともに成り立つということ、そして学生時代にそういう技法開発と概念の拡張を同時に考える癖のついた者は、アートを方法論の演算と捉える節があるということだ。



　初期の活版印刷から文字の意味論に立ち返りジャック・デリタ的記号論として“偽漢字”を、または、ゴミをライトボックスに貼り付け表からは美しい山水画に見えるような皮肉も、考えてみればシニフィア（版）とシニフィエ（画）＝版画と捉えられよう。しかし、この展覧会でもっとも目に止まったのは偽漢字の展示ブースにて設けられた“偽漢字書道体験コーナー”で、彼のエポックな作品とは対称的に、そこでもなお美しい書を書こうとはげむ来場者の姿であった。中国・北京で徐冰があぶりだしたものは「悪い場所」性だったのかもしれない。

http://www.xubing.com/en